Eugénia Reznik – Atlas de plantes déracinées
Valises et sacs recyclés, plantes, terreau

L’oeuvre d’Eugenia Reznik est une réflexion sur les relations entre la migration des végétaux et les personnes. À travers des témoignages sur les plantes déplacées, l’artiste interroge les liens que les personnes déracinées gardent avec les lieux qu’elles ont quittés. Ce sujet de recherche et de création prend source dans sa propre expérience de migrante : née en Ukraine, elle a immigré en France, puis au Canada, aux États-Unis, et de nouveau en France. Pour aborder le déracinement des personnes, Eugénia Reznik récolte des témoignages sonores sur les plantes que les personnes ont transportées avec elles ou qu’elles n’ont pas pu transporter, puis elle les transpose en œuvres installatives. À plusieurs endroits des murs à pêches, des valises remplies de terre contiennent une plante venue d’ailleurs ou prête à partir. Des étiquettes contenant un code QR, telles que celles pour les valises à l’aéroport, donnent accès au récit de voyage de la plante. Pendant toute la durée de l’évènement, l’artiste récoltera les témoignages des visiteurs pour faire évoluer cette installation participative. Vous avez une histoire de plante déplacée à raconter ? Contactez Eugénia Reznik sur le compte : eugenia.landart2021@gmail.com

Site : www.eugeniareznik.com
Instagram : reznik_eugenia

Claire Sauvage – Germination des mots
Argile
Instagram : @landaisclaire

Au cours de temps de veille au jardin, en introspection, Claire Sauvage crée des poèmes dans l’esprit du haïku. Elle récolte l’argile sur place, puis elle sème les mots dans la terre, comme des graines : une Germination des mots. Les murs, véritables parchemins verticaux, révèlent et protègent alors l’éclosion des confidences et des résonances du lieu. Sous la terre des jardins des Murs à Pêches de Montreuil, dorment, depuis plus de 150 millions d’années, de nombreuses strates de limon calcaire appelé marne. Du gris-bleu au vert-amande, de l’ocre jaune au brun, c’est l’oxyde de fer qui leur offre ses différentes teintes. L’argile, notre vieille parenté, est une terre d’accueil. Dans cette glaise s’enracinent des plantes et des arbres. Chaque été, réchauffés par les murs, les pêchers donnent naissance à des fruits. Une véritable germination. Auteure-plasticienne, Claire Sauvage développe sa pratique artistique en prenant le temps de ressentir, d’éprouver les espaces où elle exerce. Elle fait résonner dans ses œuvres ses expériences
et le murmure de ce qui l’entoure. L’archaïque, les fulgurances, les impressions directes animent ses créations. Ses recherches tendent ainsi à saluer un espace relationnel entre toutes les parcelles du vivant. Ses œuvres sont une invitation à se relier et à se revivifier dans l’infinie complexité du
monde.

Manon Cadoux, L’entrée, installation
Bois, peinture

Instagram : @manoncadoux.p

L’entrée souligne l’orientation parallèle particulière des Murs à Pêche et les espaces d’entre-deux que ceux-ci créent à différentes échelles sur le territoire. L’installation sur la parcelle des Fruits Défendus s’implante perpendiculairement sur le linéaire d’un mur d’origine. Elle se présente sous la forme d’armatures en bois peint : cadre multiple où le visiteur observe à distance l’ensemble puis traverse cette « entrée ». La perspective créée par la succession de cadres révèle la faible distance de mur à mur. La couleur
blanche accentue la visibilité de l’œuvre et devient le rappel du plâtre de ces murs. Il s’en dégage une interaction entre la végétation spontanée du site et les natures successives constitutives des Murs à Pêche. La distance vis-à-vis de l’œuvre et les traversées possibles participent également du
processus de fabrication de l’œuvre. L’installation peut exister grâce à l’érosion des murs au fil des intempéries et du temps : elle vient
souligner ce vide et rend hommage au site.

Collectif MBZC – Seconde Peau
Rondins de pins sylvestre fraisés, liteaux de bois, branchage

Instagram : @carcalymax, @zacharie_chauvet, @bertrandcoquin

Seconde Peau se concentre autour d’un passage entre deux parcelles, dans la brèche d’un mur, et est riche en signification. Ce cadrage particulier se révèle comme une ouverture, une porte d’entrée, tout en reprenant le tracé et l’histoire du mur. Suivant les cassures que le mur a subi au fil du temps,
les artistes cherchent véritablement à épouser le tracé du mur.
Ils souhaitent également créer une interface et ainsi d’intensifier la relation entre deux lieux : le jardin des couleurs et la parcelle des fruits défendus en l’occurrence, et invitent de cette manière à traverser. Œuvre hommage à l’histoire des Murs à Pêches, la matérialité du mur est le témoin du passage du temps s’inscrivant à la fois dans la présence et dans l’absence, les restes du mur, et ses parties brisées. À cet hommage s’ajoute un désir de reconstruction que les artistes combinent par la brèche du mur et la recherche d’intensification afin de recréer du lien. Une peau végétale, organique et vivante reprenant les singularités des Murs à Pêches vient faire
office de protection et offre une plus grande intimité au lieu, en alliant épaisseur et matérialité. À vocation participative, Seconde Peau et le mur ne faisant qu’un, permet à la nature et aux visiteurs de se l’approprier à leur manière, se positionnant comme lien entre eux et offrant la possibilité d’une rencontre.

Bruno Roy – Par les murs
Photographies

À Montreuil, des quartiers se choquent. Des entrepôts, des squats, des zones industrielles, des friches et des jardins forment un labyrinthe urbain. La proposition de Bruno Roy est de créer un dialogue et du lien entre ces quartiers avoisinants. En collant ces images sur les murs de sa ville, il
change leurs rôle de barrière pour celui de passage développeur de richesse. Il capte en argentique des mouvements de vie qui mène à ces jardins et construit des assemblages et créer du dialogue là ou tout s’oppose. En effet, l’artiste propose des lectures de cette anarchie bétonnée et tente d’y
trouver des chemins. Apparaissent ainsi des ponts visuels ; comme zones d’échanges. Le noir et blanc de mes images assume une volonté de distance avec le zapping/scrolling qui tient nos regards. L’artiste construit ses images en sur-imprimant des vues pour une mise en volume, en mouvement.
Il mélange des plans frontaux à d’autres hors champ pour inventer des paysages. Ces instantanés noir et blanc montrent qu’en utilisant le langage de la transparence et du bouillonnement, les Murs à Pêches ne ferment pas mais au contraire peuvent ouvrir.

Cécile Hitier et Bénédicte Bailly
Terre crue ou cuite

« Si « les murs ont des oreilles », alors quelles histoires les Murs à Pêches pourraient bien nous transmettre… ou encore recueillir ? Comme autant de cailloux de Petit Poucet, ces oreilles en terre mêlée à celle de Montreuil, glissées dans les murs, font échos à ces histoires cachées et invitent à la confidence. Intrigantes pour certains… mais si d’autres leur murmurent des mots doux, c’est que ces oreilles auront pour eux un caractère bienveillant voire qu’elles disposeront d’un pouvoir magique et délicieux… ne parle-t-on pas d’oreillon de pêche ?! » Art, nature et culture sont au cœur de la pratique de ce duo de créatrices d’images, d’objets et d’espaces. Composée de modelages d’oreilles, cette œuvre évoque des significations multiples, entre croyances et culture populaire. Au-delà de leur simple fonctionnalité, les artistes nous invitent à percevoir les murs comme porteurs et vecteurs de messages, véritable métaphores de ce que les Murs à Pêches ont à nous raconter de leur histoire.

Hélène Barrier – Underwater Garlands
Installation textile
Site : www.iconoklastes.com

Underwater Garlands prend pour inspiration un exemple d’architecture animale : les œufs de pieuvres accrochés en grappes arachnéennes dans les grottes sous-marine, envahissant l’espace d’une géomorphie sensuelle et très organique. La laine brute crochetée devient extension tissulaire, évoquant la prolifération progressive d’un mur, légère et dense, une forme de soft power qui altère sans détruire. Tissu de champs, de trajectoires, de variation, l’installation n’est pas seulement une structure, mais
un ensemble de forces constamment exercées pour rendre leur présence manifeste, qui s’intègre au paysage, à son architecture, son équilibre.
L’enjeu est de provoquer le dialogue, et d’aborder ce qui questionne la confrontation entre le naturel et l’artificiel, la relation entre l’œuvre d’art et la nature. En partant de l’observation de systèmes vivants, elle prend conscience et veux amener à faire prendre conscience que nous ne sommes pas seuls sur terre et qu’il est possible d’intégrer ces observations dans un geste artistique pour le restituer de manière sensible. Elle rappelle aussi la fragilité et l’éphémère du végétal, et notre désir, aujourd’hui, de préserver et protéger la nature, enjeu économique, politique, et surtout, enjeu vital.

Sur les traces de la couleur – Cécilia Delestre
Installation.
Sur les traces de la couleur met en valeur les plantes tinctoriales du Jardin des Couleurs et révèle le pouvoir colorant de ses plantes. Des calicots imprimés avec des plantes tinctoriales documentent le Jardin des Couleurs, tandis qu’une poupée de chiffon attend patiemment de rencontrer l’autre.
La poupée de chiffon se doit d’être en résonance avec son environnement et est donc fabriquée en matières brutes et naturelles. Se détachant à peine du paysage, elle positionne le corps humain dans le jardin, comme les maisons de la ville qui entoure les murs à pêches, et représente ainsi un
équilibre entre la nature et l’homme urbain. Des cosmos, fleurs mellifères et tinctoriales, ont été plantés autour de la poupée. Lors d’ateliers, nous
pourrons les récolter et teindre ensemble des écheveaux de coton qui nous serviront à tracer un réseau tissé de fil, de liens qui nous relient. Tous démarreront de la poupée, de ses points d’impact avec le vivant, et se
diffuseront à travers le jardin. Une « bougeuse » viendra danser avec cette poupée lors de rendez-vous poétiques, créant une rencontre entre les deux corps, entre l’inerte et le mouvement.

Site : www.ceciliadeslestre.com

Studio LOKA (Lorena Hernandez, Jérémie Kalil) – Sous les bois souterrains Installation Site : www.studio-loka.com
Instagram : @studio.loka

Branches de bois, peinture écologique aux pigments naturels, papier de fibres organiques Sous les bois souterrains est une cartographie poétique afin de révéler la présence du ru Gobetue, petit ruisseau presque invisible traversant les différentes parcelles des Murs à Pêches, mise en place dans le respect de la faune et de la flore du site. S’inscrivant pleinement dans l’histoire des Murs à Pêches, l’œuvre du duo d’artistes Studio LOKA rend hommage dans un but mémoriel du passé riche du site en rappelant de cette manière sa présence presque secrète, et évoquant ainsi une forme de métaphysique. Composée de branches de bois récupérées sur le site, l’œuvre dévoile de manière sensible la connexion intrinsèque entre l’eau et la terre. Les têtes des branches recouvertes d’une peinture écologique aux pigments naturels de couleurs jaune évoquent lumière et spiritualité. Les artistes s’inspirent de la forme du cours d’eau des cartes anciennes du site des Murs à Pêches. Cette œuvre met en valeur ainsi, par le biais d’une mémoire souterraine, l’histoire, les liens entre le passé et le présent, des personnes qui y ont vécues et qui y vivent actuellement, comme un témoin du temps qui passe et s’ouvre vers l’avenir.

Elsa Falières – IWA
Instagram : @elsa_falieres

Tiges végétales, cordelette, drap, papier, sculpture en bois, pigments et liants biosourcés, terre Iwa est une oeuvre sur l’invisibilité et l’incarnation faisant référence aux esprits vaudous, également appelés les « invisibles », incarnations des divinités. Cette sculpture végétale et organique, est par essence évolutive, véritable silhouette fantomatique, elle dévoile au fil de la défection des matériaux une autre forme de sculpture, de bois, peinte et
décorée avec des pigments naturels. Cette oeuvre s’appuie sur la sacralisation d’un territoire habité par des présences humaines et non humaines. Cette sacralisation s’opère par l’identification d’un lieu où les non humains sont matérialisés par l’installation. La pièce se dévoile au regard et trouble par sa matérialité complexe, à l’image de la faune et de la
flore qui se métamorphosent au fil des saisons tout en changeant de pelage ou en apparaissant et disparaissant à la surface de la terre. Ces invisibles ne se matérialisent à nos yeux qu’en des « moments calendaires ». La pièce s’incarne au fil du temps et des intempéries qui la transforment.

Bruno Bouchard et Benloÿ, La Gloriette Cinéma – Pellicules de cinéma, végétaux
La Gloriette Cinéma est le fruit des pratiques artistiques multiples de ce duo d’artistes : le cinéma,
la photographie ou encore le théâtre. Cabane magique, ouverte aux vents du monde, l’œuvre est
réalisée sur de la pellicule transparente végétalisée, fixée sur la structure du lit à baldaquin. Cette
œuvre est à la fois un herbier aérien suspendu, un hommage aux jardins, à la lune, un clin d’œil à
Georges Méliès. Une envie d’enfance et d’insouciance, un besoin de palpable, de concret. Les artistes ont recueillis des végétaux : pétales de fleurs, feuilles colorées ou séchées, plumes, herbes, graminées, noyaux, pépins, graines et tout ce dont ils souhaitaient faire découvrir et partager
du territoire naturel. Pas à pas, ils les ont collés sur la pellicule pour créer un herbier géant qui se
réalisera et vivra au fil des saisons, de mai à septembre, et perdurera au-delà. Dedans et dehors, sonore par climat venteux, illuminée par la soleil, visible de loin.

Notre Gloriette est ouverte aux visiteurs, on peut y entrer, se poser un instant dans son cocon
végétal, regarder le ciel aux travers de la multitude de fleurs et de feuilles, de mots, de couleurs et
de sensations, de miroitements, d’échos… « Voilà notre lucarne à rêves ! »

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